miniaturadeimagen|Paul Gauguin, Oviri (Salvaje), 1894, gres parcialmente vidriado, 75 × 19 × 27 cm, Museo de Orsay, París. Oviri (en tahitiano, Salvaje) es una escultura de cerámica de 1894 del artista francés Paul Gauguin. En la mitología tahitiana, Oviri era la diosa del luto y se la representaba con el pelo largo y pálido y ojos salvajes, asfixiando a un lobo con los pies mientras sujeta a un cachorro en sus brazos. Los historiadores del arte han presentado múltiples interpretaciones, generalmente que Gauguin la concibió como un epíteto para reforzar su autoimagen de "salvaje civilizado". Los dioses tahitianos ya habían caído en el olvido popular para 1894, sin embargo, Gauguin idealiza el pasado de la isla al recurrir a fuentes más antiguas, incluyendo un relieve asirio de una figura tipo "maestro de los animales" y terracotas de Majapahit. Otras posibles influencias incluyen cráneos conservados de las Islas Marquesas, figuras encontradas en Borobudur y un templo budista Mahayana del siglo IX en el centro de Java.
Gauguin realizó tres moldes, cada uno en gres parcialmente vidriado, y aunque existen varias copias en yeso o bronce, el molde original se encuentra en el Museo de Orsay. Sus ventas de los moldes no tuvieron éxito, y en un momento de dificultades económicas y personales, pidió que se colocara uno en su tumba. Solo se conservan otros tres comentarios suyos sobre la figura: la describió como un enigma extraño y cruel en un montaje de presentación de 1895 de dos impresiones de un grabado en madera de Oviri para Stéphane Mallarmé; se refirió a ella como La Tueuse ("La asesina") en una carta de 1897 a Ambroise Vollard; y adjuntó una inscripción que hacía referencia a la novela Séraphîta de Honoré de Balzac en un dibujo . Oviri fue exhibida en el Salón de Otoño de 1906, (n.º 57) donde influyó en Pablo Picasso, quien basó en ella una de las figuras de Las señoritas de Avignon.
Fondo Gauguin fue ante todo pintor; se inició en la cerámica alrededor de 1886, cuando recibió clases del escultor y ceramista francés Ernest Chaplet. Fueron introducidos por Félix Bracquemond quien, inspirado por la nueva cerámica artística francesa, estaba experimentando con la forma. Durante ese invierno de 1886-87, Gauguin visitó el taller de Chaplet en Vaugirard, donde colaboraron en vasijas de gres con figuras aplicadas o fragmentos ornamentales y múltiples asas."French Art Pottery". Metropolitan Museum of Art timeline. Recuperado 11 de octubre de 2015 miniaturadeimagen|Fotografía de Jules Agostini de 1896 de la casa de Gauguin en Puna'auia, Polinesia Francesa. Gauguin visitó Tahití por primera vez en 1891 y, atraído por la belleza de las mujeres tahitianas, realizó una serie de retratos escultóricos en papel, con forma de máscara. Evocan tanto la melancolía como la muerte, y conjuran el estado de faaturuma (melancolía o ensimismamiento); imágenes y estados de ánimo que posteriormente utilizará en la cerámica Oviri."Important and Rare Paul Gauguin Sculpture Up for Auction at Sotheby's ". sgallery.net.29 de abril de 2008. Recuperado 22 de febrero de 2009 Las primeras tallas de madera de Gauguin en Tahití fueron realizadas con madera de guayaba, que se desmorona rápidamente, y no se han conservado.
Completó Oviri en el invierno de 1894, durante su regreso de Tahití, y la presentó al Salón de la Société Nationale des Beaux-Arts de 1895, que se inauguró en abril del año siguiente."Oviri". Museo de Orsay. Recuperado 23 de agosto de 2015 Hay dos versiones de lo que sucedió: Charles Morice afirmó en 1920 que Gauguin fue "literalmente expulsado" de la exposición; en 1937 Ambroise Vollard escribió que la obra fue admitida solo cuando Chaplet amenazó con retirar sus propias obras en protesta. Según Bengt Danielsson, Gauguin estaba deseoso de aumentar su exposición pública y aprovechó esta oportunidad escribiendo una carta indignada a Le Soir, lamentando el estado de la cerámica moderna.
A principios de 1897, Vollard le escribió una carta a Gauguin sobre la posibilidad de fundir sus esculturas en bronce. La respuesta de Gauguin se centró en Oviri:Creo que mi gran estatua de cerámica, La Tueuse ["La Asesina"], es una pieza excepcional, como ninguna otra que haya realizado un ceramista hasta ahora, y que, además, quedaría muy bien fundida en bronce (sin retoques ni pátina). De esta forma, el comprador no solo tendría la pieza de cerámica en sí, sino también una edición de bronce con la que ganar dinero.Cézanne to Picasso: Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde. Metropolitan Museum of Art Publications, 2006, El historiador del arte Christopher Gray menciona tres moldes de yeso, cuyas superficies fisuradas sugieren que fueron tomados de una talla de madera anterior no documentada que ya no existe. Uno de ellos fue entregado a Daniel Monfreid y ahora pertenece al Museo Departamental Maurice Denis "El Priorato" en Saint-Germain-en-Laye. Otra versión, realizada en yeso y con acabado superficial de madera, fue conservada por Gustave Fayet y posteriormente pasó a formar parte de la colección de su hijo, Léon. La tercera versión fue conservada por el artista que realizó los moldes."After Paul Gauguin, Oviri, bronze, lot 317, sale 1723". Christie's, Impressionist and Modern Art Day Sale, 9 de noviembre de 2006. Recuperado 11 de octubre de 2015 Se produjeron varias esculturas de bronce, incluida la versión colocada sobre la tumba de Gauguin en Atuona, fundida por la Fundación Singer-Polignac y erigida el 29 de marzo de 1973.
Descripción y fuentes izquierda|miniaturadeimagen|Primer número de Le Sourire, Journal sérieux, 1899. Louvre, Gabinete de dibujos. Oviri tiene el pelo largo, rubio o gris, que le llega hasta las rodillas. Su cabeza y sus ojos son desproporcionadamente grandes, mientras que una abertura en la parte posterior de su cabeza se asemeja a un orificio vaginal. Sostiene un cachorro de lobo contra su cadera, símbolo de su indiferencia y poder salvaje. No está claro si Oviri está asfixiando o abrazando al cachorro, pero su pose evoca ideas de sacrificio, infanticidio y el arquetipo de la madre vengativa, influenciada por la pintura de Eugène Delacroix de 1838, Medea a punto de matar a sus hijos. Un segundo animal, adulto, probablemente otro lobo, está a sus pies, ya sea acurrucado en señal de sumisión o muerto. Historiadores del arte como Sue Taylor sugieren que el segundo animal podría simbolizar al propio Gauguin.
La asociación entre la mujer y el lobo proviene de un comentario que Edgar Degas hizo en defensa de la obra de Gauguin en la exposición Durand-Ruel de 1893, que tuvo una mala acogida, cuando Degas citó la fábula de La Fontaine, El perro y el lobo, que suele interpretarse como una insinuación de que la libertad no debe intercambiarse por comodidad o beneficio económico: «¿Ves?, Gauguin es el lobo». En Oviri, el lobo adulto, el Gauguin europeo, perece mientras que el cachorro, el Gauguin de Tahití, sobrevive. miniaturadeimagen|Siddharta Gautama, friso del siglo VIII, Borobudur. Después de una profunda cristianización, los mitos tahitianos habían desaparecido en gran medida en la época de Gauguin (él basó sus propios relatos en otras fuentes sin citarlas), al igual que la mayoría de los objetos asociados con esa cultura. Su representación de la diosa Oviri es en gran medida fruto de la imaginación, basada en una colección de lo que él describió como su "pequeño mundo de amigos" y que llevó consigo a Tahití en su primera visita. Entre ellas se encontraban la litografía La Mort de Odilon Redon, fotografías de temas como un friso de un templo en Borobudur, Java, y un fresco egipcio de una tumba de la XVIII dinastía en Tebas. Otras fuentes que se han sugerido incluyen un relieve asirio de Gilgamesh sujetando un cachorro de león que se encuentra actualmente en el Louvre, y una figura de terracota de Majapahit del museo de Yakarta.
La cabeza de la escultura parece estar basada en cráneos momificados de jefes tribales de las Islas Marquesas, cuyas cuencas oculares tradicionalmente estaban incrustadas con nácar y eran veneradas como divinas. Algunos elementos de su cuerpo podrían inspirarse en las imágenes de fecundidad de Borobudur. Así, la vida y la muerte se evocaban en la misma imagen. En una carta a Mallarmé en la que intentaba recaudar fondos mediante suscripción pública para adquirir la obra, Morice tituló la escultura Diane Chasseresse ("Diana Cazadora"), en alusión a la antigua diosa griega Diana de la caza, la luna y el parto. Hizo la misma referencia en sus poemas sobre Oviri. Barbara Landy interpreta el tema de la vida y la muerte como una indicación de la necesidad de Gauguin de abandonar su ego civilizado en un retorno al estado natural del salvaje primitivo. La obra está relacionada con la Venus Negra de cerámica de 1889, que muestra a una mujer arrodillada sobre una cabeza cortada que se asemeja a la del artista.
Nancy Mowll Mathews cree que las criaturas que tiene en brazos y a sus pies son en realidad zorros, animales que Gauguin utilizó en su talla de madera de 1889, "Enamórese y será feliz" y en su pintura al óleo de Pont-Aven de 1891, "La pérdida de la virginidad". En una carta de 1889 a Émile Bernard, el artista describió al zorro de Enamórese y será feliz como un "símbolo indio de perversidad". Existe una larga tradición en el folclore asiático de zorros con el poder de transformarse en mujeres (por ejemplo, en el folclore japonés algunos Yōkai o los Kitsune).
Gauguin representó la figura de Oviri en al menos un dibujo, dos monotipos en acuarela y dos grabados en madera. Es posible que los grabados en madera se crearan en Pont-Aven en el verano de 1894; antes que la cerámica. El último en aparecer es probablemente el dibujo que aparece en lo que aparentemente es el primer número del periódico de Gauguin en Papeete, Le Sourire ("La sonrisa: un periódico serio"), publicado entre agosto de 1899 y abril de 1900. Iba acompañado de la inscripción "Et le monstre, entraînant sa créature, féconde de sa semence des flancs généreux pour engendrer Séraphitus-Séraphita" (Y el monstruo, abrazando su creación, llenó su generoso vientre con semilla y engendró a Séraphitus-Séraphita ). Séraphitus-Séraphita es una alusión a la novela Séraphîta de Honoré de Balzac, que presenta a un héroe andrógino. En este primer número de Le Sourire, reseñó una obra de teatro de un autor local maorí que trataba el incesto (entre otros temas) e invoca a 'Séraphitus-Séraphita'. La crítica felicitó al "salvaje autor" de la obra y concluyó con una súplica por la liberación de la mujer mediante la abolición del matrimonio. El dibujo adjunto es claramente andrógino.
Interpretación Los historiadores del arte han propuesto diversas teorías sobre la aparente multiplicidad de significados inherentes a la representación de Gauguin. Lo más evidente es que la figura evoca la leyenda tahitiana y temas como la muerte y la superstición. Refleja la visión de la artista sobre la sexualidad femenina; un motivo común en el arte del siglo XIX era la conexión entre el cabello largo y salvaje y la feminidad malvada. Relacionado está el deleite que Gauguin sintió por su título alternativo "Salvaje" y las implicaciones de una deidad brutal y sanguinaria, que parece referirse tanto a sí mismo como a la diosa.
Deidad de Tahití
La figura de Gauguin evoca a la diosa polinesia Hina, representada por Morice como una deidad parecida a Diana que sostiene un cachorro de lobo, "monstruosa y majestuosa, ebria de orgullo, rabia y tristeza". Tituló un autorretrato en yeso de 1894 como Oviri. El original se ha perdido, pero se conservan varias réplicas en bronce. Utilizó espejos dobles para capturar su conocido perfil inca, cuyo resultado reproduce su obra Jarra en forma de cabeza, autorretrato. Esta fue una de las primeras ocasiones en que Gauguin se aplicó a sí mismo el término Oviri.